Guerrilla Rainstorm_

日系、欧美色调与新锐摄影

LOFTER摄影:

Terry F:





这个标题似乎充满了火药气息。




大家一定听说过日系和欧美色调。我们在网络上也能查到海量的相关后期教程。简单地总结一下,大部分后期教程对日系色调的概念主要是过曝,低饱和度,高光泛青,胶片质感等等,欧美色调色彩通常比较艳丽,对比度较高,暗部发灰,亮度较低。




但是如此调色是否真的可以让我们的照片变得高大上了呢?




(教程视频版:https://www.bilibili.com/video/av20557427/)




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1. 日系不是日系,欧美不是欧美




先让我们来做个对比。在我们眼中日系是这样的:









但实际上日本最著名的那几个摄影师拍出来的却是这样的:













继续对比。在我们眼中的欧美是这样的:









但是为什么下面这几位欧美摄影师不是“森系”就是“小清新”呢?










这就让人很疑惑了。倘若真的能根据国家或者地区来划分摄影风格的话,那印度系岂不是这样的?









此时可能会有人举手反对,提醒我别忘了日系风格里还有最具代表性的川内伦子呢。




许多人认为她的照片主要以日常生活中的静物为拍摄对象,照片明亮,色调温柔,氛围安静,可谓日系照片的典范。





但是媒体上拿川内伦子的照片大谈日系的时候,却从来不提她在2013年出版的作品集《天地》。大概是因为她变得不日系了。





她将题材从日常生活转变为记录阿苏山一年一度的火烧野草活动。照片的内容的重大转折让她的后期也似乎完全脱离了往昔的清新感。浓烈的黑烟映衬着鲜艳明亮的火焰,让照片用激烈的方式讲述一个维护平衡的故事。可以看出川内伦子的“清新”色调仅仅是一个外行都能感受到的表象,这个表象随着她拍摄的内容早已发生了翻天覆地的变化。




我们用外行的眼光去看川内伦子的作品,只能看到她温柔的色调。恰好她的早期风格又与我们发明的“日系”有几分相似。我们双眼紧盯着照片的形式,难以发现她的作品在清新的表象下蕴含着深刻的人生领悟。也没有察觉她用温和的方式将看到的画面记录下来,目的是用抽象的画面把自己的人生体验和作品融合。




她的作品集《假寐》试图表现自己内侧的狭小世界。





《光的亮度》,中饱含着作者追求光明点滴记录了她眼中的微观生活,在纯净的画面里融入了作者对生与死的深入思考。正如作者所言“各种各样的人生体验,像沙子一般,一粒一粒沉淀在心底”。





我们对欧美摄影师的误解也大抵如此,就不再重复去论证了。




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2. 误解源自何处




那么为什么我们会产生日系或者欧美调色风格的错觉呢?




有人调侃过:在日本拍出来就是日系,在欧美拍出来就是欧美。




这话不一定完全正确,但是我们通过这个说法或许也能够猜到地区文化会影响摄影师的风格。换句话说,我们也可以进一步推断出“照片内容决定后期调色方式”这个结论。




如果大家都拍同一个场景,那么大家的后期可能就会有相似之处。假设我们在日本非常具有当地特色的地方拍照的话,后期调色也需要考虑照片中日本元素的特征。










作者:小林干幸




对于任何一位经验丰富的日本摄影师也是如此,他们的作品(含AV封面)传播开来以后,被一些人拿来脱离照片内容大谈后期调色,导致观众们在不同的拍摄环境里套用这些调色风格,产生了看似新颖,实则东施效颦的后期特点。





更糟糕的是,每个做日系或者欧美调色教程的作者对二者的理解都大不相同,调色效果有差异,严重缺乏一致性。大多只是有个模糊(且片面)的概念,然后凭感觉自己发明了一个色调出来,冠以洋人的大名罢了。




(我并不认为这些教程都是很糟糕的,反而有很多效果亮眼、干货满满也非常符合内容。那何不以自己的名字给色调命名,却要把功劳塞给外国人呢?)




我觉得归根结底是我们太懒了,不愿意深入钻研知名摄影师个人的风格特点以及作品的实质内容就以地区差异一概而论。一些相关的教程的标题也不一定是源于作者无知无才,而可能只是为了传播技术而迎合一下观众罢了。




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3. 我们应该怎么做?




如果我们有心去查阅一下,会发现日本最具影响力的摄影师往往和我们所说的“日系”相去甚远。像细江英公,杉本博司,筱山纪信,蜷川实花这样的名字所对应的作品都各有特色,或充满着色彩的冲撞和人体的张力,或用压抑的画面书写着人性的欲望。如果一定要学他们的作品的话,或许我们应当先放下他们的调色风格,并且像他们一样将摄影和人生哲学联系起来,针对每次拍摄内容上的不同制定风格。








 作者:杉本博司





作者:蜷川实花




我们拍摄的内容大概就与我们的生活环境息息相关了。那么中国的摄影师是怎样利用身边的环境的呢?




这样一来就不可避免地要谈到国内新兴流派“新锐摄影”一词了




2016年1月,色影无忌·2015中国新锐摄影奖揭晓,其结果在网络上引起了热议。





获奖作品




许多人认为获奖作品缺乏最基本的美感,摄影师技术不足,就像装逼的厨子拿着马桶炒菜。




 
也有人举例说明所谓的新锐无非是对外国摄影师拙劣的模仿。




还有人直接对获奖作品和主办方破口大骂。








当然,也有理性的声音,呼吁大家在批判之前先要拥有批判能力,然后从作者的角度去考虑之后再做评价。




 




可能大家会觉得一个民间的比赛,搞得毫不相干的人都能反目成仇,十分浪费感情。但是从宏观上来说我们看到的是舆论的平衡。一部分人反对,一部分人支持,产生争论之后观众才能看到真正有用的知识。




我想补充一点,那就是大家在赞美或者贬低作品的时候似乎忽略了这个比赛名不副实。因为入选的作品里只有锐没有新。基本上全部都是外国摄影家已经探索过的东西。因此新锐摄影师这个头衔肯定会招来责难。再加上一些人借着新锐二字故弄玄虚,乘着国内摄影圈寻求改变却尚未成熟的迷茫时期,把烂到无法描述的照片当做美到无以言表艺术品拿出来混进革命队伍,严重影响艺术家口碑。








上图:无法描述的“新锐摄影”作品




但是这次比赛里许多作品本身却有巨大的意义。因为这些重复性探索是建立在一片不同的土地上的,有着不同的文化和时代背景,也产生了不同的价值。




我们不能只学外国摄影师的形式不看内容。中国的文化和地理特征给我们带来了中国人的审美倾向。也只有我们才能更深入的洞察自己的文化。那么当你下次拿起相机,想记录一个城市的人文,想表达对生活的感悟,对世界的观点,不一定要追求国外壮丽的海岸线或是繁华的大都市,也不必追着外国流浪汉和街头艺人一通盲拍。其实你的家乡,你长期居住的城市就是一个非常好的起点。因为不论你是否喜欢你所生活的地方,它都能给你带来最深的情感,而你对它的认知也会远远超出其他地区。你了解城市的历史、环境,熟悉人们的生活方式、与其他地方与众不同之处,清楚当地人的需求与愿望,还能清晰地嗅到城市中滋生的腐败气息。如果你爱它,就可以展现它的美;对它恨之入骨,更能够让你的照片情感强烈。




如此一来,你独到的审美也能够更准确的把握它的某种特征。在有了强烈的内容之后,我们才可以根据内容去谈后期。




 总而言之,我们不要盲目地用地区去划分风格,不要肤浅地把作品的形式放到至高无上的位置,但是要把握住地区给你带来的创作机会,用我们的情感去挖掘身边世界隐藏的各种特征;用我们的经验去表达观点;再用合适的后期手法来烘托你的主题。




盲目追求外国的风格只会让照片更加空洞。这个世界上没有最佳的摄影基地,只有最适合主题的场景以及拍摄和后期方法。我们对自己身边的环境越熟悉,理解越深,就能在合适的时候拍出最完美的画面。倘若觉得自己居住的地方无聊至极,毫无创作潜力,那一定是因为你还尚未开始用摄影师的眼光去发掘场景,尚未脱离大众视角。因此,请大家在茶余饭后多花时间去寻找身边的那一点独特之地,在场景里散散步,吹吹风,把自己带入到情境中,然后在时机合适,状态最佳的时候进行拍摄。




 




感谢大家干了这碗鸡精浓汤,祝各位在2018年能够取得更大突破。




 




 




 






通透夜景人像摄影后期教程

帅嘤嘤:










在杂乱环境光、不打灯的情况下如何拍照+后期思路、过程




地点:


拍摄地点选了网红景:锦里


熟悉锦里的人,都知道这灯笼一条街都是夜晚景色很好,很适合拍点古风题材。


我这次去了,确实好看,但是杂乱光线也很多,有绿有蓝有红有黄。


所以不打灯的话,可能画面堪忧。


但是这次我打算使用道具的灯光,所以就不考虑架灯。








下面来看下正片:











前期准备:


这次拍照选择的道具是灯笼,小个轻便易携带。


自然的光线可以给画面带来更真实的感觉,也更符合汉服的感觉。因此在环境光和灯笼光之外不宜打灯。灯笼的光线质量较低,所以拍照时尽量靠近脸部。


买的是暖光的,也就是灯芯是黄光,这样可以让前景和背景光线色温保持一致,画面整体感更强。


使用设备:6D+35mm(主)+85mm(副)(都是适马…)


因为想拍的地方是长亭子,怕用85太远,当时路人多,所以主要用35,光圈全开。


拍照时,在前期策划的动作和角度基础上,尽量避免路人入镜。且尽可能带上环境。


环境中的杂光我无法避免(一会看原图可以看到),因为一套片我不可能全是大头,所以后期修饰补必不可少了。










后期修图:


在LR里的调整


1.首先可以看到原图,黄黄一片,什么都看不出来。





2.调整白平衡和暗部高光之类的





3.这步主要调节图中不需要的颜色,和要保留的颜色,使图片颜色不杂乱





4.最后敲定高光和阴影的颜色,定下所有色调,如图。





在PS里的调整


1.用曲线调整脸部亮度




2.可选颜色去除图中树的黄.绿色,达到整张图和谐。




3.打开插件color efex pro4


魅力光晕数值如图




4.最终效果图(容我最后再放一些图~=v=)













以上就是这次我给大家带来的教程!祝大家拍大片!去的地方人少景多!!!




【教程】人像摄影自然光全攻略

学习

Terry F:

对于人像摄影师而言,不论早晚,不论季节,每当你摁下快门的时候,自然光和环境光都直接影响着作品的色彩和影调。看懂自然光并对其加以利用,是每个人像摄影师最基本的必修课。


使用自然光拍摄的好处不胜枚举。根据一项针对500PX受众群体的调查发现,观众更喜欢用自然光拍摄的照片,或许这也是长期生活在自然光环境里的人们的本能反应吧。此外,比起闪光灯布光,自然光在应用上也更加直观,也不容易受到场地的限制,拍摄成本更低。




但是,用好自然光的前提是理解它,并且学会如何在环境中适应自然光的变化。例如,在笔者发布下图之后,一些朋友问道“为什么逆光拍摄,模特的背部还如此明亮清晰呢?”



其原因是冬天枯草颜色浅,反光强,半人高的枯草将阳光反射到白衣服上,一定程度上平衡了光比。同理,在自然光环境中,单一光源的情况是很少的,大多数时候,环境中的物体对光的反射都会对光影产生不同程度的影响,这也是本教程将详细说明的一个重点。而在此之前,让我们先了解一下自然光的一些特点。




主要内容


1. 不同强度的光照


2. 不同方向的光照


3. 光与情绪表达


4. 光影与构图


5. 利用反射光


6. 选择恰当的时机


7. 后期光影


总结




1. 不同强度的光照

根据明度划分,有强光、弱光和微光。其中,强光环境往往是有阳光直射的户外。此时光比最大,光源冲击力也最强,但是曝光需要更准确,后期的时候,对器材宽容度要求也相对较高,不然容易出现“死白、死黑”的情况。



阴雨天或者室内拍摄的时候,往往属于弱光环境。此时光比相对较小,控制曝光相对容易,很适合新人练习,培养对光源方向的感知。



微光环境多见于夜景,比较考验相机的高感表现以及镜头光圈大小。倘若是在城市环境中,则光源较多,拍摄时需要理清主次。



一个误区


许多人认为,光线越强,光的质量就越高。而实际上光强和光线质量并没有直接联系。中午的太阳光会在脸上洒下难看的阴影,也会让环境的层次感减弱不少。而光线质量是由画面中光影分布决定的,合理的光影比例和分布可以让照片更有质感。而不一定需要强光来达到这一效果。




2. 不同方向的光照

根据方向划分,光照方向可以分为顺光、逆光、侧逆光、散射光四类。每一种光源方向都可以让图片的影调、风格乃至情绪都发生本质的变化。


在顺光环境下,往往人物的亮度大于背景的亮度,可以和背景形成反差,突出人物。但是如果光线太强的话,又会导致反差过大,倘若要保证人物曝光正确的话,背景就容易一团死黑。此外,人物因为受光面积较大,影调不强,人物本身的层次感也会较弱。




顺光的特点:


·光影分配:前亮后暗


·视觉效果:主体突出


·拍摄难度:较小


·视觉效果:较弱




在逆光环境下,人物处于相机和光源之间,光源照亮环境,但是人物处于暗部,虽然人物和背景在亮度上有着很大的反差,有时候也能看见好看的轮廓光,但是人物主体细节较少,面部光影也不美观。此时如果使用反光板补光,往往会给画面增加额外的光源,打破原本的光影平衡,让画面显得不自然。




逆光特点:


·光影分配:前暗后亮


·视觉效果:主体轮廓突出


·拍摄难度:较大


·视觉效果:强




侧逆光环境意味着尽管人物基本处于相机和光源之间,但是光源与人物形成夹角,形成轮廓光的同时照亮人物一侧,让人物的层次更强,细节相对逆光更多。这一光源位置让曝光和后期处理难度降低,比纯粹的逆光更容易把握。






侧逆光特点:


·光影分配:前暗后亮


·视觉效果:主体轮廓突出,保留一定细节


·拍摄难度:一般


·视觉效果:强




散射光常见于阴天户外,云层挡住了太阳,像一个巨大的柔光罩将光线均匀地铺洒到每一个角落。由于光影过渡太柔和,缺乏明确的影调,这种情况下不论人物还是环境的层次都不明显。虽然拍摄容易,但是视觉效果较弱。但是散射光也适合特定主题的拍摄,这一点也将在下一部分详细讲解。




散射光特点:


·光影分配:无


·视觉效果:较差


·拍摄难度:低


·视觉效果:弱




3. 光与情绪表达

光产生影,这两者在画面中的关系可以给观众带来各种不同的感觉。摄影师也可以利用这二者的搭配来表达情绪。根据光线特点,总的来说可以把情绪分为三大类:



(该模型只是概括了大多数情况,需要摄影师针对特定场合来应用)


倘若画面中亮部占比重大,那么可以一定程度给观众积极的感觉。如下图,画面中大部分区域都是明亮的,扩大了视觉上的空间感,进而让人感到明朗和放松。而这种情况下,摄影师应该更加留意暗部的构图和细节把握,因为处在暗部的人和楼房才是这张照片的重点。



倘若图片中暗部比重较大,那么就压缩了视觉空间感,进而让人感到压抑的情绪。如下图,整体的暗也让蒲公英和手臂狭窄的亮部显得格外突出。因此在该情况下,摄影师应该注意主体的亮度是否足够与环境形成反差。一张整体都很暗和整体都很亮的照片很容易让观众找不到重点。



削弱光比则可以一定程度上削弱情感强度。虽然阴天的时候,照片视觉效果不佳,但也可以让光影带来的情绪削弱,让作者在画面其他方面发挥创意。如下图,选择了阴天拍摄是因为图片的亮点在于人物的动作和莫名的云雨,试想倘若图片右边是日落的火烧云,观众的视线也很很难集中到人物身上了。






多光或者多影都可以表现激烈地情感,一般而言,反差越大,情感表达相对越激烈。



4. 光影与构图

在谈到构图的时候,许多人都会想到画面中的点、线、面。但是除了极简摄影之外,绝大多数情况仅依靠这三个要素是不够的。因为图片虽然是一个2D的平面,但是摄影师的工作是在2D上展现3D的效果,此时不仅要考虑图片在横向上的构图,也需要利用光影的变化来加强画面的“纵深感”。


下图中,三棵明度不同的树配合较亮的背景构建了图片纵向上的空间,人物的位置处于黄金分割并且利用直射光产生了较强的反差和质感,一方面确立人物的主体地位,另一方面将人物放在这个纵向空间的中间位置,加强画面立体感。



同理,下图也是利用前后三棵树和背景来营造空间感,人物的明度和前景、背景形成反差,吸引观众视线。



5. 利用反射光

很多人在面对光比较大的逆光的时候,首先想到的是使用反光板或者闪光灯补光。然而人造光源难免会让补光显得生硬。此时,摄影师可以尽量依靠环境中自然的反光来对暗部进行补光。


下图中,阳光从右后方射过来,让模特把反光率很高的纸船靠近脸部,就可以对左侧较暗的脸部补光,也可以消除法令纹一类的阴影。



而在下图中,让模特蹲下,靠近地面的反射光,也可以在逆光环境中形成合理的补光。



6. 选择恰当的时机

在上文中已经提过,拍摄自然光人像最重要的是适应环境的变化,那么拍摄时机的选择就显得尤为重要。通常而言,一天之中最适合摄影的时间段集中在日出日落前后30分钟。






下图拍摄时间就是日落后20分钟左右顺光拍摄,用模特手持的闪光灯配合橙色色片模拟火炬的光。虽然已经没有太阳直射,但天边留下的最后一抹光依稀照亮了云朵,让云有着白天能看到的层次感,也让画面的暗部有一定的细节。而因为光线很弱,所以用闪光灯的亮度足以盖过自然光对模特的影响,让观众看不到明显的日光的效果。如果拍摄时间早了,闪光灯不足以压住阳光,拍摄晚了,太阳对云层和画面中暗部的影响过小,那么云层就缺乏质感,暗部也会出现死黑。



7. 后期光影

如果对自然光有了充足的理解,那么对后期也有很大的帮助。从基本的调色到图片合成,都离不开对光影的调整。下图在完成墙壁、阳台、模特这三个主要元素的合成之后,缺乏光影,整张图显得很平淡。而加上影子之后,可以让观众感受到光的存在,视觉效果就增色不少。


把素材放到一起后,缺乏影调,也看不出光线效果


利用制作模型搞清楚影子走向,在利用PS制作影子


完成图


总结

有光就有影,在自然光拍摄人像的时候,光和影要结合起来思考,针对不同的拍摄主体选择相应的光照强度、光源方向以及恰当的拍摄时间,才能让自然光在拍摄中发挥更大的作用。后期的时候,原则上不要破坏原本图片的光影比例,倘若想要通过后期改变原图的光影关系,那么则需要更深入的学习才能较好地达成目标。


自然光拍摄人像的时候,不妨思考一下这些问题,或许能够给你一些启发。


·主体和环境的反差是否足够?


·主体和环境的光影层次是否鲜明?


·人物身上的光比是否太大,能否保留足够的主要细节?


·环境中的光影是否能够表现足够的纵深感和质感?


·环境中的光影特点是否能够传达合适的情感?


最重要的一点就是:多观察,多思考,分析优秀作品的用光再进行实践操作,这样才能快速提升对自然光的理解和应用能力。



【教程】色调、影调与特效:环境人像PS后期理念及详细流程

Terry F:

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神说:要有光...



光,可以说是摄影中最重要的元素之一。对光线加以利用不仅可以营造强烈的气氛,甚至可以改变人物面部特征。光也是制造反差以及吸引目光的最佳工具,乃至对色彩的变化都有着重大影响。


然而在实际拍摄中,很多情况约束了用光,例如拍照的时机,天气状况,拍摄场地环境,器材配置等等。那么当前期拍摄难以达到所需要的效果的时候,后期调整就显得格外重要了。但是切记,后期并不意味着前期可以偷懒,一个摄影师最基本的素质就是在已有的条件下将前期拍摄尽量做到最完美,这样才能给与后期更大的创作空间。


这个教程主要将结合案例详细讲解后期调整色调,影调,以及制作丁达尔效果(又称耶稣光)的技巧。




制作丁达尔光效


其实在网上很容易找到各种制作丁达尔效果的方法,然而当前大多数教程在讲解制作光效的过程中显得略微简单粗暴,以至于有时候观众在看成品的时候都会多多少少发现一些不应该出现的破绽。那么在进行案例分析之前,先来谈谈效果逼真的丁达尔光效是什么样的。


首先,图中必须找得到明显的光源,这个光源可以是直接出现在图中的光源,如太阳,强烈的人造光等等;也可以是观众借助一些参照可以想象出光源位置,例如物体上的高光,影子,或者地上的光斑等等。如果原图缺乏上述要素的话,建议不要强行制作丁达尔效果了。


 



  


其次,产生丁达尔效果的原因之一是空气中的粒子被直接的光线照亮,这些粒子可以是灰尘也可以是雾气。清澈的空气是无法产生丁达尔效果的。那么,如果拍摄场景里不具备这一点的话,可以通过后期的方式来实现。



  


最后,在某些时间段是难以产生丁达尔效果的,比如说正午的时候,绝大多数雾气都会散去(由灰尘产生的效果除外),这时候拍摄的照片也不宜制作丁达尔效果,因为观众会根据生活经验来否决一个过于脱离常理的后期。



  


那么在建立以上几点之后,便可以来观察原图是否具达到了制作丁达尔效果的基本需求。



  


通过观察上面的原图,不难发现,太阳光从左上斜射下来,环境中可以明显地看到阳光穿过树缝投下的光斑,此外,环境中并没有雾气,这就意味着后期制作雾气必不可少。也就是说,该图的拍摄环境是可以用来制作丁达尔效果的。但是由于光源位于图片之外,我们无法用传统的径向滤镜来做光芒。这也就是该图片后期的一大难点,解决方法会在以下环节中讲解。




 环境人像后期流程


笔者在对图片进行精修,尤其是需要添加素材的进修上面往往是遵从以下后期流程,这也将是本教程的工作流程:



  


这个流程是基于修图过程重要性来排序的,优先调整最重要的内容。这个流程绝对不是最高效的流程(人物比例更大的人像片更适合先完成液化和修脸,再进行特效和调色的工作),步骤也会存在重复现象,但是它实际上反应了在修图中需要做的思考:优先定调,多次调色和反复微调。




精修案例




1. 基本调色


首先复制一层图层,然后开始基本的定调调色工作。这一步是基本实现你对预期效果构想的尝试。笔者对这张图的定调大概是:营造整体柔和的绿色,降低对比度(柔和的氛围),提高区域明暗对比,制作丁达尔效果,晨雾效果。


图片中,环境细节太多,层次不明显,人物不够突出。这时候首先用色阶配合蒙版提升人物的对比度,提高主体存在感。(图中用黄色的方框表示文中提到的内容)



随后,需要将环境中除了高光的位置都染成绿色(高光会染上阳光的颜色,不应该是和环境一样的绿色,所以另外调色)。选择LUT: Sophia. look,再用雪人插件选择亮3蒙版(此时蒙版显示部分为高光明显的位置)。



  



随后再用Ctrl+I(Commend+I for Mac)翻转蒙版,让这个LUT只影响除了高光以外的区域。(蒙版中,白色区域表示显示该图层的区域,反之黑色不显示)



但是染色完成以后,似乎绿色略微刺眼,所以降低鲜艳度,略微降低饱和度,削弱画面中的绿色。



然后在可选颜色中,给黑色部分加一点黄绿;白色部分加一些蓝色和洋红,这样明暗两部分的色彩会略微形成反差。(当然你也可以根据自己的喜好来调整)。



  



由于在接下来制作晨雾和光线的过程会导致画面整体被提亮很多,所以整体染色完成以后,用曲线将整张图片压暗,但是将最黑点提起来一点点,以此保证图片最黑点不要是纯黑色,增强视觉上的“图片宽容度”。(这一点在之前的教程里详细讲解过,这里不再解释原因)。调整完曲线以后,在蒙版上将过分黑暗的部分用画笔擦掉,然后调节图层的不透明度,以达到理想效果。



突出人物的另外一个方法就是将不重要的区域压暗,因此再建立一个曲线图层,利用蒙版将周围压暗。顺便进一步增加周围暗部的黄色。(笔者认为曲线是制作个性化暗角的最佳工具之一)。





2. 晨雾制作


完成这一步以后,基本调色组就完成了。接下来就需要进入特效制作。首先制作的是晨雾效果。笔者在这里选用了Raya Pro插件里的Orton柔光效果。首先加一层“Cold Orton”给整张画面增加雾气感。



不要看着插件就望而却步了,其实这一步不需要插件也可以完成。基本方法如下:1. 建一个蓝紫色(或者任何需求的颜色)的图层,叠加模式改为柔光,然后复制之前的图层,在该图层上使用半径160以上的高斯模糊,叠加模式改为滤色。这样就做好了。



随后再建立一个Orton柔光图层,将其蒙版低处以及模特的位置用黑色擦除,这样就可以给图片的高处进一步添加雾气效果。



同样方法再增加一个暖调的Orton柔光图层,在蒙版上将其影响范围控制在中心区域(要将人物擦除),这样的话,该暖调图层影响的就是图中“远处”的区域,这样远近的色调就可以略微形成反差。



但是,如果单纯地向一张图上添加柔光或者雾气效果,那么最终给人的感觉只会是“仿佛蒙了一层东西”。实际上,雾气会随着景深而变化,纵深大、距离镜头远的地方,雾气就浓;纵深小、距离镜头近的地方,雾气就淡。那么根据这张图片的特点,我们需要让中间位置(距离镜头远的地方)产生浓雾,而两边(距离镜头近的地方)则只需要薄雾。从纵向来看,人物是处于背景和前景之间偏前景的位置,所以人物身上的雾气不宜太浓,但是要浓于最靠近镜头的树前面的雾。


基于上述分析,接下来就需要在人物与远处的背景之间添加雾气。步骤非常的简单粗暴。直接新建一个空白图层,用吸管拾取背景里高光的颜色,然后用1500像素以上的大画笔在画面中间涂抹,然后在蒙版里面把人物慢慢擦除出来即可。这样雾气效果就只影响人物和背景之间的空间了。



同样的方法,再在图片更靠近中心的位置增加一层雾气。把人物擦除出来。这样,整张画面就形成了一个雾气由远到近逐渐由浓变淡的一个渐变过程。





3. 光效绘制


绘制晨雾之前,可以看到中心位置略微过亮,这时候略微降低该区域的亮度对比度即可(当然,你也可以用曲线,叠图层之类的你喜欢的方式来达到这个效果)。



当图片中有了晨雾,我们就可以着手绘制丁达尔现象了。同晨雾的原理一样,光线由远到近从强度,位置和大小上都不一样,那么我们也需要分层绘制光线。光线照射的路径也需要和树上和地上已有的高光相符。


基于上述考虑,我们可以先将树上的高光部分分离出来,利用这些已有的高光制作光线效果。分离方法有无数种,最简单易懂的就是:Shift+Ctrl+Alt+E把所有图层集合为一个新图层,然后Shift+Ctrl+U转黑白,然后用曲线或者色阶暴力提高反差,直到暗部变成黑色,高光变成白色为止。然后用黑色画笔将不需要出现光线效果的地方涂黑就好了。


但是此时要注意的是,如果把这些白色的区域一并用动感模糊做成光线效果的话,那么就会变成茫茫的一片白色。所以要在这个图层上再由近及远地分层有选择地制作光线。



首先来做最近处的光线。那么请复制上面做好的高光图层,用黑笔涂掉远处的高光,只留下需要制作第一层光线的高光。



然后在滤镜选项里多次使用动感模糊(角度:-42;距离:2000)让这些高光拉成线条。将叠加方式改为滤色,使用适度的高斯模糊柔化光线边缘,最后用蒙版将不需要的光线擦掉即可。



同理,再做出不同位置上的光线。



建立一个组,将上面做好的三个图层拖进去,然后给组建一个蒙版,整体擦掉不需要的光线。



运用相同的方法,继续将光线效果完善,直到满意为止。这样特效就整体完成啦。





4. 最终调色


完成光效之后,看一看图,似乎光芒和雾气让整个画面饱和度降低,而且灰蒙蒙的缺乏层次。那么首先提升全图的饱和度和鲜艳度。这里大家或许有疑惑了,既然这里要加饱和度,为何第一次调色的时候要减少饱和度呢?既然要加饱和,为何不直接取消基本调色组里面降低饱和的图层呢?制作教程的时候,为何要出现重复的步骤呢?


这里我觉得有必要讲解一下。


首先,后期处理实际上是一个动态的过程,你的每一步对照片的影响都不一定100%是在你的预料中的,因此你要做的原则是,不管之前怎么调的,只要把当前图片状态调整合理即可。


此外,之前的饱和度图层影响的是原图,而当前的饱和度图层影响的是包含了之前所有调色图层的图。影响范围不一样,所以单纯回头去调整基本调色组的饱和度图层是远远不够的。而我没有为了做教程而去省略这个看似重复的步骤也是为了展现修图这个动态过程的道理。



然后再用Raya Pro建立一个增强“中间调对比度”的曲线图层。这个图层的效果是增强对比度,但是不影响到图片中的亮部和暗部,避免造成过曝或欠曝。如果没有Raya Pro的话,也可以自己建立曲线配合雪人插件来快速制作针对“中间调对比度”进行调整的图层。



然后再用色阶配合蒙版将包括人物在内的中间调以及暗部区域的反差提升。不提升亮部反差的原因是为了避免过曝以及保留远处雾气的朦胧感。





5. 锐化以及消除缺陷


在整张图的后期制作基本完成之后,我们就需要对这张图进行有针对性的锐化的工作了。这里你可以使用Raya Pro里面自带的锐化工具,也可以手动进行。这里我选择了手动锐化。方法在之前的教程也介绍过:Ctrl+Alt+Shift+E 新建一个包含所有图层的新图层,然后Shift+Ctrl+U转换为黑白图层,接下来点击滤镜-其他-高反差保留,半径调节为4左右(比较微弱的锐化)。然后将这个图层复制一到两次,结合蒙版,将需要进一步锐化的区域进行加强。



然后再次利用Ctrl+Alt+Shift+E新建图层,对该图层进行液化,并且用图章进行修补。



随后再根据需要,略微提升对比度,将发绿的皮肤选出来用曲线略微修正,然后将一条方向不对的光线用液化工具调整一下就完成全图了。(每个人修正肤色的方式都不同,如果是修正幅度比较大的情况的话,笔者倾向于利用多层曲线进行修正,这一点将会在未来的教程里进一步展开)



在完成以后,导入一个色轮来取样检查一下颜色是否和谐。这里可以使用吸管来对图片各个部分进行取样。可以发现,图片的整体色调符合类比色和谐原理(黄色箭头所指区域,关于色彩和谐的理论相信大家能在网上搜到很多相关教程和文章,这里就不重复讲解了),饱和度也比较适中,那么图片也就算完工了。在完成图片以后,不妨隔几个小时,或者隔一两天再来检查一下,或许会发现之前疏忽的问题。





结语


整张片子的后期流程是:整体调色 - 制作特效 - 最终调色 - 消除缺陷。这是一个动态的工作流程,要时刻根据图片的变化来不断做出微调,最终达到预期效果。


如果是需要叠加素材的后期,那么素材之间白平衡的差异也是需要在整体调色这一步调整统一的(参见笔者之前翻译的教程“照片合成:视觉魔术的七个基本要点”)。


在后期的过程中,不妨时刻用色轮检查图中的色彩搭配是否和谐,至少也要在图片完成之后做这样一个检查工作,因为作为图片的作者,往往会被自己每一步投入的精力蒙蔽双眼,很难发现图片的弊端,尤其是色彩搭配这种本来就很考验眼力和审美的方面。这也要求作者需要更加谨慎,反复检查,或者向其他同行征求意见。


最后,再简单的谈一下笔者对后期的态度。对于摄影中的写实主义和自然主义,笔者一贯是尊重并且支持的。但是在我看来,记录真实的世界并不是摄影的全部功能,因为对于观众来说,图片成品中所展示的内容比摄影师在拍摄照片过程中的艰辛更加重要,所以在人像摄影上,笔者更主张利用后期来达到“完美画面”,不论你的拍摄风格是偏纯艺术还是偏设计;不论你自认为是印象派还是超现实主义流派,都需要尽量使用后期来完善原片,甚至是创作新的内容。但是像风光或者纪实这类的题材,到底后期程度该有多少,就需要摄影师用自己的行业准则来约束自己了。